DER ROTE FADEN

Juni 2020

Wien, Klagenfurt

Film

Gerne. Ich würde den Text stärker essayistisch und selbstreflexiv anlegen – mit einer leicht verschachtelten, beobachtenden Sprache, die an David Foster Wallace erinnert, ohne ihn direkt zu imitieren. Inhaltlich würde ich dabei besonders das Spannungsfeld zwischen **Kunst, institutionellen Bedingungen, Pandemie und dem Film als Ersatz/Erweiterung der öffentlichen Aufführung** herausarbeiten. **„Der rote Faden“** ist ein Film, der im Jahr 2022 gedreht wurde, um eine Vielzahl unterschiedlicher Arbeiten und Stücke aus verschiedenen Stilrichtungen zu präsentieren. Das klingt zunächst nach einer relativ einfachen Aufgabe: Man versammelt Werke, Musiker, Instrumente, Räume und Kameras und versucht, daraus einen Film zu machen. Aber natürlich ist die Sache nie so einfach, insbesondere dann nicht, wenn die Kunst, die eigentlich vor einem Publikum stattfinden soll, plötzlich unter Bedingungen produziert werden muss, unter denen das Publikum selbst zum Problem geworden ist. Entstanden ist der Film vor allem vor dem Hintergrund des Ausbruchs der COVID-19-Pandemie, der darauffolgenden Lockdowns sowie der sich ständig ändernden Regelungen unserer Universität in Bezug auf öffentliche Masterprüfungen. Was normalerweise ein konkreter, zeitlich und räumlich begrenzter Moment gewesen wäre – ein Konzert, eine Prüfung, eine Aufführung, Menschen in einem Raum, jemand spielt, andere hören zu –, wurde zu einer Abfolge von Unsicherheiten, Verschiebungen und Möglichkeiten, die jeweils wieder von neuen Regelungen abhängig waren. Die Frage war irgendwann weniger, **wie** etwas aufgeführt werden konnte, als vielmehr, ob und unter welchen Bedingungen Aufführung überhaupt noch stattfinden konnte. Der Film entstand aus dieser Situation heraus, aber er ist kein Dokument einer bloßen Notlösung. Das Entscheidende am Filmformat ist vielleicht gerade, dass es nicht nur eine Ersatzform für die ausgefallene Öffentlichkeit darstellt. Die Kamera schafft eine andere Art von Öffentlichkeit. Sie kann Nähe herstellen, wo räumliche Distanz vorgeschrieben ist; sie kann unterschiedliche Orte, Besetzungen und ästhetische Haltungen in einen gemeinsamen Zusammenhang bringen; und sie kann Dinge nebeneinanderstellen, die sich in einem klassischen Konzertabend möglicherweise niemals so selbstverständlich begegnen würden. So versammelt **„Der rote Faden“** musikalische und künstlerische Arbeiten, die stilistisch und in ihrer Besetzung teilweise kaum unterschiedlicher sein könnten. Marschmusik trifft auf elektroakustische Klänge, Madrigalgesang auf Saxophontrio, Klaviermusik auf experimentelle Formen. Es gibt Stücke, die sich deutlich auf musikalische Traditionen beziehen, und andere, die diese Traditionen eher auseinandernehmen, verschieben oder mit einem gewissen Misstrauen betrachten. Der Film versucht dabei nicht unbedingt, diese Unterschiede aufzulösen. Vielleicht liegt seine eigentliche Verbindung gerade darin, dass sie nebeneinander bestehen dürfen. Der Titel **„Der rote Faden“** bezeichnet insofern weniger eine eindeutige musikalische oder dramaturgische Linie als eine Art nachträglich entstehende Verbindung. Denn wie so oft bei einer Sammlung heterogener Dinge erkennt man den Zusammenhang nicht unbedingt während ihrer Entstehung, sondern erst dann, wenn man sie gemeinsam betrachtet. Der rote Faden ist vielleicht nichts, was von Anfang an vorhanden war. Vielleicht ist er etwas, das sich das Publikum selbst durch das Material hindurchlegt. Und darin liegt auch eine gewisse Ironie: Ausgerechnet in einer Zeit, in der sich vieles darum drehte, Abstände einzuhalten, Trennungen zu organisieren und Kontakte zu reduzieren, entstand ein Film, dessen eigentliche Aufgabe darin besteht, unterschiedliche Menschen, Werke und musikalische Welten miteinander in Beziehung zu setzen. **„Der rote Faden“** ist damit sowohl ein Produkt seiner Zeit als auch ein Versuch, sich dieser Zeit nicht vollständig unterzuordnen. Die Pandemie bildet den Hintergrund, aber nicht das eigentliche Thema. Das eigentliche Thema ist die Frage, was von künstlerischer Praxis übrig bleibt, wenn ihre gewohnten Bedingungen plötzlich wegfallen – und was möglicherweise neu entsteht, wenn man gezwungen ist, nach anderen Formen des Zeigens, Hörens und Teilens zu suchen. Der Film dokumentiert deshalb nicht einfach eine Reihe von Stücken. Er dokumentiert einen Moment, in dem Aufführung selbst neu gedacht werden musste. Und vielleicht ist genau darin sein roter Faden zu finden. Und wenn nicht, dann zumindest im Titel. Wenn du möchtest, kann ich die Fassung noch **deutlich intellektueller, ironischer und verschachtelter** machen – also stärker in Richtung eines essayistischen Programmtexts, der tatsächlich wie ein Begleittext zu einem experimentellen Kunstfilm wirkt.

Regie und Produktion: Marius Binder „Görtschitztaler Trauermarsch“ BWV2018006 Stabführung Johanna Fink Horn Johanna Klopp Trompete 1 Cosima Baum Trompete 2 Astrid Rausch Posaune Flora Besenbeck Tuba Isabella Voicu „Beyond the Beyondening“ BWV2020004 Klavier Hibiki Kojima „5 Madrigale“ BWV2020001/a-e Sopran Magdalena Lucjan Alt Aleksandar Jova Tenor Marius Binder Bass Max Bell „Der R-LKönig“ BWV2021004 Text: J.W.v.Goethe Interpret Sibelius 7.1 „ewig dein. ewig mein. ewig unß.“ BWV2020002 Elektroakustisches Werk nach Beethoven „Des Schlachtapperates sentimentales Herz“ BWV2021001/a-c Klavier: Hibiki Kojima „Aus der Reihe Stücke mit absurd langem Titel“ BWV2021002/a-f Saxophontrio Sopransaxophon: Julia Schneckenleitner Tenorsaxophon: Alexandra Pichler Baritonsaxophon: Tadej Pance „Schlaflied“ BWV2020005/a-c aus den „Karner Liedern“ Text: Axel Karner Sopran: Lena Wiedner Klavier: Marius Binder Drohne: Mario Ciperle